12 шедевров Третьяковской галереи
/ Что обязательно посмотреть в знаменитом музее в Лаврушинском переулкеЭти картины вошли в сознание не только как музейные шедевры, но и как культурный код: в школьных учебниках и сказках, в фильмах и спектаклях, в цитатах и переосмысленных образах. Расскажем о нескольких шедеврах Третьяковской галереи подробно.
О Третьяковской галерее
Государственная Третьяковская галерея в Лаврушинском переулке — главный музей национального искусства России, место, где можно пройти через века отечественной живописи. Ее основал московский купец и меценат Павел Михайлович Третьяков, начавший собирать картины русских художников в середине XIX века. Он мечтал создать для соотечественников «художественную энциклопедию», доступную каждому, и в 1892 году подарил коллекцию Москве. Сегодня в залах Третьяковки в Лаврушинском переулке более 190 000 произведений, и каждый посетитель может проследить путь русского искусства от иконописи до авангарда. Но особенно значимы полотна, которые стали символами целых эпох, они рассказывают об истории, традициях и душе России лучше всяких слов.
1. Карл Брюллов — «Всадница», 1832
Одно из самых ранних и ярких произведений в собрании, написанное Карлом Брюлловым, мастером парадного портрета и романтической экспрессии. На полотне — изящная молодая женщина на лошади в момент верховой прогулки. Сочетание легкости, изящества и скрытой динамики превращает жанровую сцену в образ романтической женственности. Моделями для картины стали воспитанницы покровительницы Брюллова графини Самойловой — Джованнина и Амалиция Пачини. Полотно вызвало восхищение современников своей утонченной красотой и техническим мастерством, а позднее стало одной из первых жемчужин в будущей коллекции Третьякова.
2. Александр Иванов — «Явление Христа народу», 1837–1857
Монументальное полотно, над которым художник работал почти двадцать лет. Поражает не только физический размер картины — более семи метров в длину, — но и ее метафизический объем и многослойность. Иванов стремился передать момент духовного откровения, когда Христос появляется перед людьми, и каждый реагирует по-своему: кто-то радостно принимает, кто-то сомневается, кто-то в ужасе отворачивается.
Интересный факт
Иванов писал десятки этюдов к «Явлению Христа народу», и многие из них сами по себе стали шедеврами. Картину холодно встретили современники — слишком новаторская по замыслу и исполнению, но позже ее признали вершиной русского религиозного искусства.
3. Василий Верещагин — «Апофеоз войны», 1871
Полотно, которое невозможно забыть: на фоне безжизненной степи возвышается пирамида из человеческих черепов. Верещагин создавал его как антивоенный манифест, показывая не героизм битвы, а ее ужасающие последствия. Картина посвящена «всем великим завоевателям — прошлым, настоящим и будущим», и эта надпись сама по себе стала крылатой.
4. Виктор Васнецов — «Богатыри», 1871–1898
Эпический холст, над которым Васнецов размышлял почти тридцать лет. На картине три русских богатыря: Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алеша Попович. Их фигуры словно вырастают из земли, символизируя защитников Руси и ее вечные идеалы. Васнецов сознательно обращался к народным сказаниям, чтобы через героический образ показать дух народа. Для современников и потомков этот шедевр стал своего рода иконой силы. Репродукции появились в учебниках, на плакатах, в детских книгах — и каждый ребенок в России узнает этих трех воинов еще до похода в музей.
5. Иван Крамской — «Неизвестная», 1883
Портрет давно приобрел мистическую славу. Перед зрителем предстает элегантная женщина в дорогом наряде, едущая одна в экипаже. Ее взгляд — почти вызывающий, но в то же время глубокий и исполненный скрытой драмы. Современники называли картину «русской Джокондой» за таинственную улыбку и неуловимый психологизм. Картина пленяет и тем, что неясно, кто изображен на ней. Относительно личности Неизвестной существуют десятки версий — от знатной барышни до куртизанки, — но ни одна из них не подтверждена документально.
6. Валентин Серов — «Девочка с персиками», 1887
Одна из самых светлых и узнаваемых картин русской живописи. На полотне изображена Вера Мамонтова, дочь промышленника и мецената Саввы Мамонтова. Серову было всего 22 года, когда он написал это произведение, и оно стало настоящим прорывом: живое, свежее, наполненное светом и дыханием. Девочка сидит за столом, на котором разложены персики, и в ее взгляде — наивная искренность и юная энергия.
Для Серова это была первая большая работа, принесшая ему славу, а для зрителей — символ юности, весны и радости жизни.
7. Василий Суриков — «Боярыня Морозова», 1887
Монументальное историческое полотно, которое потрясает драматизмом. На картине — боярыня Феодосия Морозова, представительница старообрядцев, которую везут на санях в ссылку. Несмотря на толпу зевак и солдат, она гордо поднимает руку с двоеперстием — символом веры. Эта сцена стала олицетворением несгибаемой силы духа и готовности идти на жертвы ради убеждений.
Интересный факт
Современники были поражены масштабом картины: почти шесть метров шириной и три метра высотой. В ее создании Суриков использовал реальные этюды лиц и фигур простых москвичей, что придало полотну подлинную жизненность.
8. Илья Репин — «Иван Грозный и сын его Иван», 1885
Одна из самых трагических и страшных картин русской живописи. Репин изобразил момент, когда царь Иван Грозный в припадке ярости смертельно ранит своего сына и в ужасе осознает содеянное. Взгляд царя полон безумия, а лицо сына освещено прощением и болью. Эта сцена стала символом разрушительной силы власти, выходящей из-под контроля.
Картина вызывала бурные споры с самого появления. В 1913 году один из посетителей галереи, иконописец, находящийся в душевном смятении, нанес ей удар ножом — настолько сильные эмоции вызывало это полотно. К счастью, картину удалось восстановить.
9. Иван Шишкин — «Утро в сосновом лесу», 1889
Вряд ли найдутся те, кто хотя бы раз не пробовал конфеты, на фантике которых помещен фрагмент с мишками, — так что это, пожалуй, одна из самых «народных» картин в Третьяковке. Перед зрителем открывается лесная чаща, залитая мягким утренним светом. Могучие стволы сосен уходят ввысь, словно колонны храма природы. Но главное — четверо медвежат, резвящихся на поваленном дереве. Они вносят в картину живость и непосредственность, превращая строгий пейзаж в поэму о гармонии природы и жизни.
Интересный факт
Фигуры медвежат писал не Шишкин, а художник-анималист Константин Савицкий. Однако в окончательной версии его подпись убрали, и картина стала ассоциироваться только с именем Шишкина.
10. Михаил Врубель — «Демон (сидящий)», 1890
Полотно, которое стало символом рубежа веков и особого, мистического направления в русской живописи. В центре — фигура Демона, могучего и трагического, сидящего в задумчивости на фоне заката. Врубель создал образ не злого духа, а одинокого титана, обреченного на вечную тоску и изгнание. Картина поражает декоративностью: кристаллические складки, переливы красок, мозаичность линий создают эффект зыбкой, маревной, почти сновидческой реальности. И до сих пор полотно вызывает множество вопросов. Кто-то видит в Демоне воплощение «лишнего человека», кто-то — символ творца, раздираемого внутренними противоречиями. Так или иначе, но картина стала настоящим манифестом символизма в русской культуре.
Интересный факт
Немногие замечают, что очертания фигуры Демона напоминают абрис человеческого сердца.
11. Исаак Левитан — «Над вечным покоем», 1894
Один из самых философских пейзажей русской живописи. Левитан показал вид на озеро с церквушкой на холме, а над ними — бескрайнее небо. Все в картине говорит о вечности: маленькая человеческая жизнь противопоставлена величию природы и хода времени. Левитан не случайно назвал картину именно так — она передает чувство смирения перед бесконечным и неизменным. В образе «вечного покоя» многие современники художника видели собирательный символ Руси.
12. Казимир Малевич — «Черный квадрат», 1915
Картина, вызвавшая, пожалуй, больше всего споров в истории искусства. Малевич представил «Черный квадрат» на выставке как символ нового, беспредметного искусства. Для него это было не просто изображение, а «икона современности», отказ от фигуративности ради чистой идеи и формы. Полотно стало манифестом супрематизма, движения, изменившего представление о живописи XX века.
Интересный факт
«Квадрат» был написан поверх другой картины Малевича. Современные исследования показали, что под слоями краски скрываются контуры кубо-футуристической композиции. Таким образом, сам «Квадрат» вырос буквально из прошлого опыта художника — как символ нового этапа.
Что можно сделать?
Прочитать письма, дневники или воспоминания художников, перед тем как посетить галерею в Лаврушинском переулке. Это поможет увидеть в каждой картине не только изображение, но и личность автора, его внутренние поиски и сомнения. Попробовать найти отголоски этих полотен в кино, литературе, музыке или даже современной рекламе. Такое упражнение показывает, насколько глубоко классика вплетена в повседневность.
Вот что мы еще писали об искусстве:
Понравился материал?
Комментарии(1)
Хотите прокомментировать?
Зарегистрируйтесь, и вы станете участником сообщества, сможете участвовать в дискуссиях и оставлять отзывы
Светлана Р.
Чёрный квадрат висит в Новой Третьяковке, а она находится не в Лаврушинском переулке. Исправьте, пожалуйста)
Читают сейчас
